Зрелая классика, прежде всего представленная работами Фидия и Поликлета, создала высочайшие образцы античного искусства. Творчество мастеров «века Перикла», их скульптурные и архитектурные произведения, определят развитие европейской и мировой культуры на много веков вперед. Художественные принципы, найденные в этот период, будут продолжены и переосмыслены в последующее время мастерами поздней классики и эллинистического искусства.

Глава четвертая

Искусство поздней классики и эллинизма

Период классики длился до конца IV века до н. э. Завершился он благодаря завоеваниям Александра Македонского, перекроившим карту мира и изменившим жизненный уклад греков и варваров.

Художественный уровень произведений, созданных в эпоху поздней классики, ничуть не уступает качеству работ предшествующего времени. Однако на смену классической ясности приходит более утонченная и прихотливая трактовка образов. В руках одних мастеров произведения приобретают драматическое звучание, другие художники развивают лирическое начало. Среди наиболее выдающихся мастеров первой половины четвертого столетия – скульптор и архитектор Скопас. По общему мнению, Скопас первым из греческих ваятелей отдал предпочтение мрамору, практически отказавшись от столь любимой его предшественниками бронзы.

В своих работах Скопас словно запечатлел в иносказательной форме те социальные и военные конфликты, которые раздирали греческий мир. В Музее представлена уменьшенная римская копия шедевра Скопаса «Менада». В отличие от произведений зрелой классики, эта статуя предназначалась для кругового осмотра, что придавало фигуре еще больше экспрессии. «Менада» изваяна танцующей. Голова ее запрокинута в экстазе. Мастер акцентирует в фигуре девушки вращательный момент, закручивая тело вдоль оси и выгибая его назад, как натянутый лук.

Скорее всего, менада держала в руках жертвенного козленка и занесенный над ним кинжал. Плоть и кровь животного символизировали гибель и возрождение Диониса – бога вина, но также смерти и воскрешения. Поедая их, участники вакханалий приобщались к бессмертию бога. Передавая неистовство своей героини (слово «менада» переводится с древнегреческого как «безумная»), великий скульптор позволяет нам прикоснуться к нерву эпохи, полной противоречий и постоянной борьбы.

Иным по содержанию было искусство Леохара. Созданный им «Аполлон Бельведерский» воплощает образ изящной гармонии. Бог солнечного света, покровитель муз, Аполлон изображен в позе молодого поэта или певца, словно застигнутого порывом вдохновения. Поначалу кажется, что в руке юноши непременно должна оказаться лира. На самом деле Леохар запечатлел бога в момент совершения подвига: Аполлон поражает из лука чудовищного змея Пифона. Только что он пустил стрелу, летящую теперь в направлении монстра. Аполлон внимательно следит за ее полетом. Если посмотреть на скульптуру со стороны, заметен легкий наклон фигуры вперед. Но ни эта деталь, ни пристальный взгляд бога не способствуют драматизации образа. Складывается впечатление, что речь идет не о битве, но о балетном номере, исполненном на сцене придворного театра. Это впечатление усиливает пышная прическа юного бога – его кудри украшает подобие банта.

С XVI века статуя Аполлона располагалась в Бельведерском дворце Ватикана[10], в честь чего она получила свое название. Долгое время произведение Леохара воспринималась в качестве величайшего шедевра греческого искусства, служа эталоном классической красоты.

Лишь Афродите, богине любви, было под силу тягаться с Аполлоном. Ее прекрасный образ воспел великий скульптор Пракситель. В его исполнении женские формы наконец лишились мужских черт, что было характерно для искусства зрелой классики.

«Аполлон Бельведерский». Скульптор: Леохар. ок. 330–320 до н. э. Слепок с мраморной копии римского времени.

Наиболее известным произведением мастера считается «Афродита Книдская», впервые в античном искусстве изваянная нагой. Свое название статуя получила от города Книд, что в Малой Азии. Появление «Афродиты» связано со следующей легендой. Жители острова Кос заказали Праксителю статую богини. Скульптор предложил им на выбор сразу двух «Афродит» – одну, как было принято, одетую, другую – обнаженную. Островитяне предпочли более традиционный вариант. Нагая Афродита оставалась в мастерской Праксителя, пока ее не выкупили жители Книда. С тех пор она пользовалась огромной популярностью во всем греческом мире. Чтобы посмотреть на нее, люди приезжали издалека. Ее изображение чеканили на монетах. Было изготовлено множество копий, ни одна из которых, к сожалению, не передавала совершенства оригинала. Дошло до того, что один царь предложил простить Книду долг, если горожане отдадут ему «Афродиту». Но жители города отказались расстаться со святым для них образом.

Не только люди, но и боги отдавали должное шедевру Праксителя. Говорят, однажды в Книд явилась сама Афродита. Увидев статую и прейдя в смущение от сходства, богиня воскликнула:

Горе мне, где же нагой видел

Пракситель меня?

Античные авторы писали, что моделью для статуи послужила прекрасная гетера Фрина, возлюбленная скульптора. Узнав об этом, девушку обвинили в святотатстве. Ее защитник не мог убедить суд в невиновности Фрины, тогда она сорвала с себя одежды и предстала перед судьями нагой. Девушка была оправдана, ибо, по мнению греков, прекрасному телу непременно должна была соответствовать столь же прекрасная душа.

Пракситель изобразил богиню перед купанием, что сюжетно оправдывает ее наготу. В левой руке Афродита держит свои одежды, спускающиеся на стоящий подле ее ног сосуд. Правой рукой она прикрывает лоно. Благодаря этому жесту статую относят к типу «Венера Стыдливая»[11].

«Афродита Книдская» была изготовлена из паросского мрамора. Пракситель, так же как и Скопас, чаще работал с этим материалом.

Завершает плеяду великих мастеров поздней классики Лисипп – придворный художник Александра Македонского. Деятельность Лисиппа развивалась в русле творческого наследия Поликлета, однако вскоре скульптор разработал свой собственный канон, проложивший дорогу искусству эллинистической эпохи. Находки мастера нашли отражение в статуе «Апоксиомена», то есть атлета, очищающего себя скребком (в древности вместо мочалки люди использовали небольшой серповидный скребок, или стригиль). Прежде всего Лисипп изменил пропорции статуи. Голова «Апоксиомена» меньше, нежели голова «Дорифора», соответственно, тело кажется слегка вытянутым и смотрится изящнее, чем «квадратные» скульптуры Поликлета. При создании статуй Лисипп учитывал «вращательный момент», а это значит, что его произведения не имеют единой фронтальной точки обзора. Напротив, их нужно рассматривать, обходя по кругу, любуясь текучестью форм, будто запечатленных в движении.

До Лисиппа греческие статуи преимущественно имели замкнутый силуэт. Очертания их будто не позволяли материи выходить за пределы строго установленной для нее условной границы. «Апоксиомен» совершенно иначе взаимодействует с окружающим миром. Его правая рука вытянута вперед. Она смело вторгается в пространство зрителя.

Последние годы Лисиппа пришлись на время эллинизма. Этот период в истории Античности начинается сразу после смерти Александра Великого. Как уже было сказано, завоевания Александра